lunes, 29 de junio de 2015

Diez preguntas sin respuesta sobre Jurassic World


Aunque se estrenó el 12 de junio, Jurassic World sigue liderando la taquilla de medio mundo. 22 años después de que comprobásemos que el sueño del multimillonario John Hammond no era tan de color rosa, llega ahora la puesta en marcha de ese parque temático a lo Disney World en donde los dinosaurios conviven con tiendas de regalos y restaurantes de comida rápida. 

Uno de los aspectos más destacados del film (al que nadie niega que es un buen producto de entretenimiento) es su condición de película meta, es decir, el diagnóstico que realizan los gestores de este negocio (se necesita más espectáculo para atraer a más visitantes al parque) es también aplicable a la concepción de esta nueva secuela. Más madera en forma de ¿dinosaurios?, efectos digitales y escenas espectaculares como las que pueblan el tercio final del nuevo trabajo de Colin Trevorrow. Jurassic World también sabe reírse de sí misma y homenajear a la obra primigenia de Spielberg, pero tras verla, no hemos podido evitar hacernos estas diez preguntas sin respuesta. 

Esperamos las vuestras, porque seguro que se os ocurrirán muchas más.


1. ¿Por qué de nuevo los niños protagonistas están marcados por el divorcio de sus progenitores? ¿Cuándo va a sanar Spielberg de este trauma? 

2.¿Por qué los personajes principales son tan pobres y arquetípicos? 

El aventurero indómito, la mujer obsesa del control que se ha volcado en su faceta profesional y ha descuidado todo lo demás (con el consiguiente estigma que se le suele dar a este tipo de personajes femeninos). De entre todos, un secundario, el trabajador friki de la torre de control (Jake Johnson) se erige como el más divertido y nos regala una escena de humor absurdo de lo más desternillante. Los personajes de Jurassic Park siempre quedarán en nuestra memoria, y en ningún momento, hasta cuando Laura Dern rebuscaba entre las heces de dinosaurios, resultaban ridículos como se da aquí el caso. 
3. ¿Por qué los dinosaurios, especialmente el Indominus Rex o los velocirraptors que amaestra el personaje de Chris Pratt como si fueran perritos, se comportan con cualidades humanas y de modo tan arbitrario?   

4. ¿Por qué nos vemos venir el 90% de las muertes, excepto una de un personaje secundario de lo más loca y de serie b (que no spoilearemos)? Por cierto, siguen muriendo siempre primero los mexicanos, asiáticos... y como no, se sigue castigando con las peores muertes a aquellos personajes que podrían tacharse de malos (salvo el caso de la pobre Zara)

5. ¿Por qué la relación sentimental entre la "tacones" y "el hombre que susurraba a los velocirraptors" es tan predecible, y responde al típico esquema que hemos visto mil veces?  

6. ¿Por qué la banda sonora de Michael Giacchino está tan eclipsada por la de John Williams? Para esta sí tenemos respuesta, porque es mucho mejor la original, solo hay que ver las veces que se recurre a ella en este homenaje y parodia que es Jurassic World. 

7. Esta es inevitable y roza la indignación del espectador con un mínimo de sentido común ¿Por qué el personaje de Bryce Dallas Howard no se quita los tacones en toda la película?   

8. ¿Por qué el niño pequeño resulta tan cansino? Preferimos la pedantería del pequeño Timy en Jurassic Park, al menos aprendíamos algo sobre dinosaurios.

9.  ¿Por qué tanto hueco para la innecesaria trama urdida por ese malo tan poco carismático como es Vincent Donofrio, quien por cierto se sigue pareciendo y mucho a Orson Welles (como ya demostró en Ed Wood)?


 10. Resumiendo, ¿por qué en general se han conformado con un guion tan poco verosímil y trabajado que hace aún más grande a Jurassic Park?  

miércoles, 24 de junio de 2015

Siete bandas sonoras de James Horner con las que crecí


Por María José Agudo @Mary_Agurod


De entre todos los obituarios dedicados al músico estadounidense James Horner, fallecido el 22 de junio en accidente de avioneta a unos tempranos 61 años, hay uno con el que me he identificado mucho, el expresado en Twitter por el director español Juan Antonio Bayona (El orfanato, Lo imposible), quien ha escrito que "Horner le puso música a nuestra infancia". En efecto, Horner marcó a toda una generación de futuros cinéfilos. Repasando hoy las innumerables bandas sonoras que compuso este laureado autor (consulta todas sus nominaciones y premios) me he reencontrado con partituras que había olvidado que eran suyas. Melodías que me acompañaron en mi más tierna infancia (¡benditas sean las películas del olvidado Don Bluth!) o música que servía para que soñara despierta con el primer beso de un chico que fuera un clon de Devon Sawa en Casper. (cosas de la edad)

Por eso, como recuerdo a este grande (también criticado por su tendencia a autoplagiarse, véase el parabaráh
e querido rescatar ocho de sus bandas sonoras. No es una selección de lo mejor, aunque algunas de ellas sí lo sean, son aquellas que me retrotraen a cuando era una niña o una adolescente adicta a la Superpop. Ese es el motivo de que la mayoría de los trabajos escogidos pertenezcan a los 80 y los 90, décadas clave para Horner y para mí, pues en ellas fui descubriendo el cine y la magia de las bandas sonoras. Os dejo con mi selección nostalgia de James Horner, y espero la vuestra. En homenaje a este genio de la música de cine. 

lunes, 22 de junio de 2015

“De-mente”, el nuevo corto de nuestro colaborador Lorenzo Ayuso




No todo va a ser Jurassic World y grandes superproducciones, desde este pequeño blog también queremos dar cobertura al trabajo de realizadores noveles del panorama español, y más aún si tenemos el gusto de conocerles y saber de su talento. Este es el caso de De-mente, el segundo cortometraje como director de Lorenzo Ayuso tras Evaluación Final, que supuso su debut profesional ante las cámaras. 

Producido por Amania Films, responsable de AgurMalas vibraciones o el inminente Artificial, este nuevo proyecto acaba de concluir su rodaje y cuenta con rostros conocidos en su reparto; como el actor Malcolm T. Sitté (a quien hemos podido ver en la serie de televisión El Chiringuito de Pepe y veremos en Palmeras en la nieve). Él y Sergio Sánchez Shaw (Evaluación Final, Woyzeck, El monstruo ríe) son los protagonistas del segundo trabajo de Lorenzo, de quien habéis podido leer en este blog algunas críticas y especiales.

¿Qué cuenta De-mente? 

Klaus (Sánchez Shaw), un actor fracasado, se presenta de madrugada en casa de su viejo amigo Genio (Sitté), otro intérprete de carrera meteórica en televisión. Klaus tiene algo importante que decirle: confiesa que, desde pequeño, ha tenido visiones premonitorias, y que esa misma noche, ha visto en sueños a Genio brutalmente asesinado. Sin embargo, Genio, recién llegado de una fiesta de disfraces y ataviado como Drácula Negro, se muestra escéptico...



Según nos informa la productora, este trabajo está rodado con una Red Epic Dragon, una de las cámaras punteras del actual mercado audiovisual, y se ha llevado a cabo gracias a un nutrido y experimentado equipo, en el que se cuentan los nombres, entre otros, del reputado y solicitado Roberto Castelli (fotógrafo y realizador para marcas como Beefeater, eBay, Marypaz o Pokerstars) como director de fotografía; Pepe Rodríguez, líder de Dardem, en la banda sonora o Lita Echeverría (Artificial), en la dirección artística.

Mitad comedia negra, mitad terror psicológico, géneros muy del gusto de su realizador, De-mente es según su creador un corto desasosegante pero divertido, con diálogos punzantes, situaciones excéntricas y personajes en el límite, influenciado por cintas tan dispares como Fudoh, Siete notas en negro, The Lords of Salem o Matar o no matar, ese el problema. Su estreno está previsto para finales de 2015, cuando comience a abrirse camino por el circuito de festivales.

Podéis seguir todas las novedades en torno a la producción a través de su Facebook oficial: http://www.facebook.com/de.mente.corto/

Desde aquí le deseamos toda la suerte a Lorenzo con este nuevo cortometraje. 


FICHA TÉCNICA

Año de producción: 2015;
Nacionalidad: Española;
Producción: Amania Films
Dirección y guión: Lorenzo Ayuso        
Productores ejecutivos: Luis Espinosa, David P. Sañudo;
Dirección de producción: Elena Maeso
Ayudante de Dirección: Angelines Amaro Gómez
Dirección de Fotografía: Roberto Castelli
Montaje: Eduardo Ovejero
Música: Pepe Rodríguez
Sonido directo: Jorge Granda
Dirección Artística: Lita Echeverría
VFX: Azahara Gómez
Efectos especiales de maquillaje: Santiago Gijón Jiménez (HYDE FX)
Maquillaje: Alba Jiménez
Vestuario: Elixabet Núñez
Intérpretes:
Malcolm T. Sitté (Genio/Blácula)
Sergio Sánchez Shaw (Klaus)
David Blanka (Presentador de TV)
Carol Andrés Orellana (Presentadora de TV)
Y... El perro Otto (Roman)


martes, 2 de junio de 2015

Crítica Nuestro último verano en Escocia


El encanto de la sencillez
Por María José Agudo @Mary_Agurod

Las feel good movie o películas de buen rollo no suelen tener muy buena prensa, aún cuando por lo general, consiguen llevar a su terreno a numerosos espectadores. Se les critica su tendencia al buenismo y su calculado manejo de emociones, algo que ya Capra dominaba a la perfección. En un mundo cada vez más obsesionado por ser feliz, este cine de naturaleza optimista viene a ser como una cura para el alma, un alivio para nuestros a veces maltrechos corazones. La auto confirmación de ese dicho tan popular que dice "Dios aprieta pero no ahoga". El efecto que provocan a la salida del cine suele ser de una vitalidad contagiosa, algo que no viene mal en tiempos de hipermedicación contra la depresión. El cine, como ya saben, es a veces la mejor terapia contra esos días rojos (como diría Holly Golightly) que todos tenemos. 

Sin abusar del azúcar y con mucho humor negro, llega a nuestras pantallas Nuestro último verano en Escocia (What we did on our Holiday), el último ejemplo de film que podría encajar dentro de este subgénero. Una comedia que fue Premio del Público en la Seminci de Valladolid, y que tiene en su dirección de actores una de sus mayores fortalezas. Prácticamente, todo el reparto está estupendo y creíble en sus respectivos papeles, incluida una Rosamund Pike que aún perdura en nuestra memoria por su brillante composición de Amy en Perdida. Aquí exhibe un rol totalmente diferente (mucho más liviano), pero  indicativo de lo camaleónica que puede resultar esta actriz británica. 

Pero si el plantel adulto da la talla, muy especialmente el personaje entrañable del abuelo (interpretado por el veterano actor escocés Billy Connolly), hay que llamar la atención al espectador sobre los tres retoños del matrimonio de ficción que conforman Doug y Abi. A día de hoy no es fácil toparse con unas interpretaciones infantiles como las que aquí se consiguen: naturales, divertidas y nada repelentes. Parece de perogrullo pero aquí los niños (salvo en algún momento crucial) parecen de verdad niños: con sus ocurrencias, su fantasía desbordante, su capacidad para poner a los adultos en un aprieto o su insospechada madurez. Esta última característica está subrayada a lo largo de diferentes escenas, y se diría que hay momentos en donde los pequeños son más sensatos que los adultos que los rodean. 

Los tres hijos son por tanto cruciales en la trama escrita por los británicos Andy Hamilton y Guy Jenkin (responsables de la serie inglesa Outnumbered) y creadores acostumbrados a trabajar con menores, algo que sería la pesadilla de Alfred Hitchcock. Ellos son el motor de una película que se pasa en un suspiro y que no deja de ser un canto a la vida, la vida de cualquier mortal, la que tiene buenos y malos momentos, la que incluso cuando muestra su peor cara, como dice el personaje del abuelo, no quieres que se acabe

Algunos lectores pensarán que me he dejado llevar por el almíbar o el mantra del "carpe diem" que rezuman este tipo de películas, pero nada más lejos de la realidad. Aunque Nuestro último verano en Escocia coquetee con la sensiblería y tire de tópicos, sabe ser ácida, locuaz y también crítica con los comportamientos de aquellos que ya hemos sobrepasado la infancia (al menos en apariencia).

Lo mejor: El reparto, como han trabajado los directores con los niños (otorgándoles libertad en muchas de sus frases), los diálogos más punzantes y negros, el momento de la cuñada (una suerte de ama de casa perfecta que lleva en potencia una Beverly de Los asesinatos de mamá).

Lo peor: Cierta ligereza en algunos personajes secundarios y situaciones más previsibles o tópicas que buscan incidir en el mensaje final.













De bonus track os dejamos con la deliciosa canción que puede escucharse en la película, ya utilizada en otros films como la también británica Despertando a Ned o El indomable Will Hunting. 




jueves, 28 de mayo de 2015

Sorteamos dos entradas dobles para el preestreno en Madrid de Insidious Capítulo 3



CONCURSO CERRADO

Atención, amantes del cine de terror y de lo sobrenatural, porque gracias a Sensacine sorteamos 2 entradas dobles para asistir al preestreno el próximo 3 de junio a las 20:00 horas en Kinépolis Ciudad de la Imagen de la tercera entrega de Insidious. En esta ocasión, James Wan, responsable de las dos anteriores (de la segunda publicamos crítica en el blog) se ha bajado del barco, y le cede la claqueta a Leigh Whannell, quien ya había colaborado en el guion de Insidious 1 y 2. Esta precuela cuenta con algunos rostros conocidos por el gran público como Dermot Mulroney, (La boda de mi mejor amigo).

Cómo participar

Para conseguir alguna de las dos entradas tendrás que seguir una serie de pasos:

1. Tendrás que hacerte seguidor de alguna de nuestras redes (twitter o Facebook), y de alguna de las redes de Sensacine (twitterFacebook o Google+).

2. Tienes que escribir un tuit que mencione a @Sensacine y @Cineenconserva. 

Algo así: "No me pierdo el preestreno de #InsidiousCapítulo3 gracias @Sensacine y @Cineenconserva. Si no tienes Twitter puedes incluir un mensaje parecido en la actualización que pongamos en Facebook de dicho concurso.

3. Después de escribir el tweet, tienes que enviar un email a cineenconserva@gmail.com  con el asunto "Concurso Insidious Capítulo 3", en donde respondáis a la siguiente pregunta. ¿Quién fue el director de las dos entregas anteriores de Insidious? Por favor, indicad vuestro nombre y apellidos para en caso de que seáis los afortunados podamos gestionar el concurso de forma correcta.

Recordad que tenéis hasta el lunes 1 de marzo incluido para participar. Al día siguiente, avisaremos a los dos ganadores por email y también lo comunicaremos por nuestras redes sociales. 

Suerte!

martes, 26 de mayo de 2015

Dheepan de Jacques Audiard, ganadora de la Palma de Oro de Cannes 2015


























Contra todo pronóstico, al menos de la crítica allí presente, Dheepan, el filme del francés Jacques Audiard, se ha llevado la Palma de Oro del Festival de Cannes de este año, en una edición criticada no solo por el reparto del Palmarés sino también, por la excesiva presencia de títulos franceses en la competición oficial. Polémicas aparte, este drama sobre la inmigración del director de Un profeta, cineasta que ya se alzó en 2009 con el Gran Premio del Jurado de este mismo festival, consiguió poner de acuerdo al variopinto jurado de esta edición, presidido en esta ocasión por los hermanos Coen y compuesto entre otros por Guillermo del Toro, Xavier Dolan, o nuestra chica Almódovar más picassiana, la inconfundible Rossy de Palma.

El segundo gran premio de Cannes, "El Gran Premio del Jurado", recayó en la ópera prima del húngaro László Nemes, Hijo de Saul (Saul fia), una historia según el jurado "sobrecogedora" con un punto de vista muy singular y que transcurre en el campo de concentración de Auschwitz, mientras que el de mejor director fue para Hou Hsia Hsien por The assassin. Al jurado también le sedujo la nueva propuesta del siempre provocador Yorgos Lanthimos (Canino, Alps) quien por primera vez ha rodado en inglés y con grandes estrellas como Colin Farrell y Rachel Weisz. Su distopía The Lobster (La langosta) fue recompensada con el Premio del Jurado. 

Si bien pocas podían ser más originales en guion que lo nuevo del director griego, el premio al Mejor Guion fue concedido para Chronic, del mexicano Michel Franco. El director de Después de Lucía se hizo con este galardón en una edición en donde -si bien no puede decirse que tuviera mucho acento español- el cine latinoamericano consiguió dos premios importantes en otras secciones paralelas a la oficial: mejor película en la Semana de la Crítica para la argentina La patota, y mejor film en La Quincena de Realizadores para la colombiana El abrazo de la serpiente.

En cuanto a premios en la categoría de interpretación, el actor francés Vincent Lindon fue galardonado con el premio a la mejor interpretación masculina del Festival, por su papel de un desempleado de larga duración en La loi du marché del también francés Stéphane Brizé. Muy aplaudidas fueron las interpretaciones de Rooney Mara y Cate Blanchett en la adaptación de Todd Haynes de la obra de Patricia Highsmith, Carol, pero solo la primera logró el galardón a mejor actriz del Festival, compartido eso sí con la francesa Emmanuelle Bercot, por Mon roi (Mi rey)

Por último, la directora Agnès Varda recibió en esta edición la Palma de Oro de Honor que por primera vez fue concedida a una mujer. El desequilibrio entre el reconocimiento a directoras sigue siendo evidente (aquí y en otros muchos sitios), como demuestra el hecho de que en toda la historia del Festival solo una mujer, Jane Campion por El piano, haya ganado la Palma de Oro.

Palmarés Cannes 2015


Palma de Oro: Dheepan, de Jacques Audiard
Gran Premio del Jurado: Hijo de Saul, de László Nemes 
Mejor dirección: Hou Hsiao-Hsien, por The Assassin
Mejor guión: Chronic , de Michel Franco
Mejor actor: Vincent Lindon, por La loi du marché
Mejor actriz: Rooney Mara, por Carol, y Emmanuelle Bercot, por Mon roi
Premio del Jurado: The Lobster, de Yorgos Lanthimos
Cámara de Oro a la mejor ópera prima: La tierra y la sombra, de César Augusto Acevedo
Palma de Oro al mejor cortometraje: Waves 98, de Ely Dagher
FIPRESCI Sección Oficial: Son of SaulLászló Nemes 

Son of Saul del húngaro László Nemes

Mejor película en Una cierta mirada: Hrútar, de Grímur Hákonarson
Mejor película en Quincena de Realizadores: El abrazo de la serpiente, de Ciro Guerra.
Mejor película de la Semana de la Crítica: Paulina (La patota), de Santiago Mitre


Recuerda que puedes leer nuestros especiales Siete Palmas de Oro que no puedes perderte, Volumen 1 y Volumen 2.

miércoles, 6 de mayo de 2015

De la A a la Z sobre Orson Welles: Diccionario rápido para conocerle mejor

Diseño: Mónica Agudo
Por María José Agudo

2015 es sin duda, el año de Orson Welles, por lo menos en cuanto a efemérides se refiere. A la conmemoración hoy 6 de mayo de los 100 años de su nacimiento hay que añadir que el 10 de octubre también se cumplirán tres décadas de su fallecimiento, y por si fuera poco, uno de sus mejores films, Campanadas a medianoche, ha celebrado su 50 cumpleaños.   

Desde este pequeño blog hemos querido aportar nuestro granito de arena a este centenario elaborando un diccionario que de la A a la Z repasa tanto aspectos relacionados con su obra fílmica como con su persona, imposible a veces disociar ambos. Él mismo dijo una vez: "Para mí el trabajo es parte de la vida, no sé distinguir entre ambas cosasEl trabajo es una expresión de la vida". Más allá de listas y tops, no hay discusión en que Welles fue uno los realizadores más influyentes de la historia del cine. Un creador con mayúsculas, no demasiado prolífico en cuanto a la dirección ya que solo rodó doce películas (algunas de ellas muy mutiladas) en más de 30 años de carrera. Como su admirado Don Quijote, luchó contra muchos molinos para sacar adelante proyectos que hablaban de su ambición, sus filias culturales (Shakespeare) y que demuestran lo adelantado que fue. Nos dejó una obra imperfecta, inacabada, audaz y brillante por momentos, que hoy reivindicamos. 

Este es el diccionario que hemos elaborado y que en algunos casos se complementa con vídeos e imágenes. Estás invitado a aportar más palabras porque sabemos que cuando hablamos de Welles y su leyenda, siempre nos quedaremos cortos.


jueves, 2 de abril de 2015

Entrevista a Jon Garaño, codirector de Loreak


Jon Garaño conforma con José María Goenaga el tándem de directores que han firmado una de las películas más destacadas de 2014: Loreak (flores, en euskera), que contó con dos nominaciones en la pasada edición de los premios Goya. Es más, de alguna forma pasará a la historia del cine español por haber sido la primera producción en euskera candidata al Goya a la mejor película. Fue también la primera cinta íntegramente rodada en lengua vasca que compitió en la sección oficial del Festival de Cine de San Sebastián.

Loreak, de la que ya os hablamos en este blog, no logró el Goya pero sí ha obtenido, entre otros galardones, el San Pancracio 2015 a la mejor dirección, que otorga el Festival Solidario de Cine Español de Cáceres. Jon Garaño fue el encargado de recoger este premio en el transcurso de la gala de los premios San Pancracio, celebrada el pasado 14 de marzo en el Gran Teatro de Cáceres. Antes de la gala, Jon Garaño tuvo la gentileza de hablar para Cine en conserva.


Por José Manuel Rodríguez Pizarro
Redactor-colaborador de la revista de cine Versión Original
@JMRguezPizarro

¿Cuál es el origen de Loreak?

La primera idea fue de mi compañero, José María Goenaga, co-director y guionista. Él siempre dice que le surgió la idea de ver esa imagen de las flores en la carretera, que tiene mucha fuerza. Ves que detrás de esas flores hay un drama pero también hay algo misterioso, enigmático, que te hace pensar que puede haber una historia detrás de esas flores. El otro punto de partida de esta historia es que una mujer empieza a recibir flores semanalmente. Y la fuente de inspiración de la trama viene de la canción “Un ramito de violetas” de Cecilia. Canción y película tienen un desarrollo diferente pero la inspiración vino de ahí. Nos parecía interesante porque había una relación entre esas dos historias, aparecen unas flores misteriosas en las dos historias y el cómo reaccionan los personajes ante ellas tenía cierto paralelismo. Había un juego de espejos y ahí es cómo se empezó a construir la película.

"La fuente de inspiración de la trama viene de la canción “Un ramito de violetas” de Cecilia"

El papel de la mujer es muy importante. Hay tres actrices que destacan por encima del reparto, algunas de ellas muy conocidas en el País Vasco.

Son tres actrices para nosotros excepcionales. No son muy conocidas fuera del País Vasco pero allí sí que lo son. Ha sido una suerte trabajar con ellas. Con Itziar Aizpuru (la mujer mayor) ya habíamos trabajado porque fue la protagonista de nuestra primera película. En aquella ocasión era una señora de caserío que se ve envuelta en una historia de amor con otra señora. Era, como digo, una historia de amor entre dos señoras mayores; ella (Itziar Aizpuru) era la protagonista absoluta de esta película, llamada 80 egunean (En 80 días) (2010). Al haber un papel para una señora mayor en Loreak, estaba claro que tenía que ser para ella. De hecho, cuando José Mari escribió esa primera versión de Loreak y la leí había partes del diálogo que no eran de José Mari sino que se los había robado a la propia actriz. Tenía que ser ella.


Itziar Aizpuru, que sí se llevó un Feroz a mejor actriz de reparto
En el caso de Nagore Aranburu, ella era una actriz con la que queríamos trabajar porque nos gusta mucho, nos parece que es la actriz perfecta para hacer ese papel. Aún así le hicimos un casting, lo hizo muy bien y decidimos hacerlo con ella. Ha sido una experiencia curiosa porque Nagore, aparte de actriz, también es guionista, sobre todo, y ha dirigido obras en teatro y para TV. Entonces ha sido una forma de trabajar diferente, pensando desde atrás de la cámara. Nagore hace un trabajo excepcional, además difícil porque tiene que expresar mucho con poco y es algo a lo que a veces no se le da mucho mérito, y lo tiene.

Por su parte, Itziar Ituño es una actriz muy conocida en el País Vasco porque es la protagonista de Goenkale, una serie que lleva veintiún años en antena en la ETB, en la televisión pública vasca, y hace de policía. En Loreak hace un papel totalmente diferente. Al principio teníamos dudas con el personaje que hacía ella porque, por un momento, nos imaginábamos que tenía que ser una persona mayor pero al final nos convenció y decidimos hacerlo con ella, después de un proceso largo de casting. Ahora estamos encantados con el trabajo de las tres y de todo el reparto en general porque en una película si quienes están alrededor de los protagonistas no dan el nivel, de alguna forma, eso se contagia a los protagonistas. Son, por tanto, también dignos de cualquier elogio.

La película Loreak es también una forma de reflejar la realidad cultural, paisajística –a través de la iluminación– de lo que es el País Vasco, un ambiente del norte peninsular.

Nos lo dicen mucho e incluso a veces nos preguntan: ¿llueve tanto en el País Vasco? La respuesta es que sí y más. De hecho, llevamos un mes de febrero tremendo, que no ha dejado de llover. Y sí, es parte de nuestra forma de ser y eso también se transmite. La climatología, el ambiente, se mete en la personalidad. Para nosotros era también importante que transcurriese en esa época del año en que todo está más oscuro, hay poca luz porque incluso los personajes –a excepción del final de la película, que no vamos a desvelar, en que hay un poco más de luz– se sienten un poco así, como mirando hacia dentro, asfixiados. Creo que el ambiente también juega su papel en ese sentido, está reforzando de alguna forma lo que les está pasando y lo que están pensando.




miércoles, 1 de abril de 2015

Entrevista a Raúl Arévalo, en el marco del Festival Solidario de Cine de Cáceres 2015


Este blog acudió un año más a la Gala de los San Pancracio del Festival Solidario de Cine Español de Cáceres, celebrada el 14 de marzo. De nuevo, Cáceres desplegó la alfombra roja y arropó a un nutrido grupo de representantes del cine español: desde el polifacético Santiago Segura hasta actrices como Bárbara Lennie, que recibió el San Pancracio a la mejor actriz por su interpretación en Magical Girl, pasando por directores de cine como Jon Garaño (Loreak), a quien pudimos entrevistar en exclusiva, o figurinistas de primera como la extremeña Montserrat Sancho que recibió el premio "Reyes Abades" por su trabajo entre costuras. 

Otro de los premiados (aquí puedes ver el resto: Premios San Pancracio 2015) fue el actor Raúl Arévalo, recompensado por fin por su trabajo en La isla mínima, la gran triunfadora en la última entrega de los Goya. Pudimos conversar unos minutos con él tras el encuentro que mantuvo con la prensa en el Gran Teatro de Cáceres. Desde aquí le agradecemos su amabilidad y sencillez al atendernos.

Entrevista realizada por María José Agudo Rodríguez

Me imagino que estarás muy contento por haber recibido el San Pancracio. Además, han recaído muchos premios en compañeros de reparto de La isla mínima, como es el caso de Javier Gutiérrez (Premio en el Festival de San Sebastián, Goya al mejor actor...), y ha sido un gran trabajo el que habéis hecho los dos actores protagonistas.

Me lo tomo como algo entregado con mucho cariño, teniendo en cuenta además que viene de una ciudad de provincias, que no es Madrid ni Barcelona, en las que a veces no es fácil que llegue determinado tipo de películas. Hay que sumar, por tanto, el hecho de que una ciudad como Cáceres organice este festival y se reciba tanto cariño y amor al cine y a la gente que hace cine. Lo recibo como una muestra de cariño y de apoyo a una carrera que, a mi edad, es una palmadita en la espalda, como diciendo “sigue por ahí”. La isla mínima ha sido uno de los trabajos más enriquecedores de toda mi carrera. De todos los trabajos he aprendido, pero de éste mucho: poder haberlo hecho con Alberto Rodríguez y de la mano de Javier, con todo lo que hizo por mí… Es uno de esos trabajos que guardas con más cariño y de los que más aprendí a nivel profesional y humano.

"La isla mínima ha sido uno de los trabajos más enriquecedores de toda mi carrera"



La isla mínima transcurre en la época de la Transición, en las marismas del Guadalquivir. Tu personaje, Raúl, representa la apertura frente al de Javier Gutiérrez, que está más anclado en el pasado, en el franquismo. ¿Cómo afrontaste la preparación de tu personaje?

La película la ensayamos mucho tiempo, un mes, que no es común en cine, y asesorados y dirigidos por Alberto, viendo documentales, leyendo mucho sobre el momento y sobre personajes similares. Fue un mes intenso de preparación y de investigación sobre la época y los personajes.

Además en un contexto muy particular: las marismas, que es casi un personaje más, un contexto que marca lo que le ocurre a los personajes, la desaparición…

El rodaje se hizo duro pero luego quedó todo muy bonito.

Si por algo destaca Raúl Arévalo es por su versatilidad y por tener una prolífica carrera en el teatro, el cine y la televisión. En 2006 te llegó uno tus grandes papeles hasta ese momento, en la exitosa ópera prima de Daniel Sánchez Arévalo Azul Oscuro Casi Negro. Obtuviste el Goya a la mejor interpretación masculina de reparto por Gordos (2009). ¿Hay un medio que le tengas especial cariño? ¿Te desenvuelves en todos del mismo modo?

Depende del proyecto. Un actor donde más puede disfrutar es en el teatro pero no depende tanto del medio o del género sino de muchos factores: el guion, los compañeros, el director, el personaje, depende más del contexto.

Otra película que quizás no ha tenido tanta repercusión en 2014 pero en la que también participaste ha sido La vida inesperada, donde desprendiste química con Javier Cámara. ¿Qué puedes contarnos de ese proyecto, cómo te sentiste al rodarla en Nueva York?

Lo rodamos en Nueva York, que fue lo más chulo. Estuvimos dos meses rodando allí. Para un actor que se ha criado viendo películas que se ambientan en Nueva York, pasear en esta ciudad con una cámara delante… aquello fue muy bonito, fueron dos meses muy divertidos.

viernes, 20 de marzo de 2015

Crítica de "Pasolini" de Abel Ferrara


María Vaquero quien ya escribió de Fuerza Mayor, vuelve al blog para hablarnos de Pasolini, la película biográfica que ha dirigido Abel Ferrara (Teniente corrupto o El funeral) y que está protagonizada por Willem Dafoe. La cinta narra los últimos días del revolucionario director de cine italiano, asesinado en 1975 en el pueblo costero de Ostia (Italia).

martes, 17 de marzo de 2015

El montaje final de Blade Runner se reestrena en 35 cines españoles


El clásico de ciencia-ficción Blade Runner, del que ya sabéis que soy fan incondicional y en este artículo dejé prueba de ello (Diez poderosas razones por las que amo Blade Runner) regresa mañana 18 de marzo a 35 cines españoles con un nuevo montaje de su director Ridley Scott

Quienes tengan la suerte de poder ver esta nueva versión, llamada Blade Runner: The Final Cut, podrán verla remasterizada y en versión original. Según informa Warner Bros, que está detrás de la iniciativa y que hace poco también reestrenó Alien, el octavo pasajero, la película vuelve a la cartelera treinta y tres años después de su estreno original en 1982 (cuando a pesar de ser un fracaso de taquilla logró más de un millón de espectadores) y ocho años después de su último estreno en 2007 cuando se proyectó el montaje final del director. Recordemos que en el montaje de Ridley Scott, a diferencia del de 1982, se eliminó además del happy end, la voz en off de Deckard (para muchos innecesaria).

En este enlace podéis ver los cines donde se exhibirá http://www.warnerbros.es/noticias/blade-runner-vuelve-a-la-gran-pantalla/

Os dejamos con el vídeo que ha elaborado para su reestreno en los cines británicos el British Film Institute (BFI). Y os animamos a verla en pantalla grande ya que tiene que ser una experiencia inolvidable.



viernes, 27 de febrero de 2015

Crítica Fuerza Mayor (Turist)


Hoy llega a nuestras pantallas Fuerza Mayor (Turist), una de las películas europeas más premiadas del año pasado. Entre otros galardones, la película del sueco Ruben Östlund consiguió en el pasado Festival de Cine Europeo de Sevilla el Giraldillo de Oro a la mejor película. Para conocer un poco más sobre ella, enviamos a su pase de prensa a María Vaquero, del blog Memoria de Bolboreta y colaboradora en la revista Versión Original. Os dejamos con su crítica.

Fuerza Mayor (Turist)
por María Vaquero

Si en su anterior película (Play, 2011) Ruben Östlund jugaba con los prejuicios raciales de los espectadores, en Fuerza mayor (2011) pone en entredicho la autenticidad de los lazos que nos unen dentro del ámbito en el que nos sentimos más seguros: la familia.

Tomas (Johannes Bah Kuhnke) viaja a los Alpes franceses para pasar cinco tranquilos días de esquí con su hermosa mujer Ebba y los dos hijos que tienen en común, Vera y Harry (Clara y Vincent Wettergren). Todo parece marchar dentro de la normalidad que se supone en una familia feliz, acomodada y perfecta pero esta paz se rompe de la forma más inesperada, cuando un alud controlado está a punto de tragarse a la familia y Tomas huye para salvar su vida sin pensar en los suyos. A partir de este suceso somos espectadores de la evolución que sufre la familia, pero también somos interpelados acerca de la postura que adoptaríamos  nosotros mismos: ¿cuál sería nuestra reacción?



Desde el primer momento se aprecia una influencia evidente del cine de Michael Haneke, director que gusta de poner en riesgo la tranquilidad de núcleos familiares acomodados mediante un suceso que fragmenta esa seguridad en mil pedazos. Sin embargo, la propuesta de Ruben Östlund pone en juego otros elementos dado que, desde el inicio del film, ya intuimos que algo va mal: las fotografías que toma el insistente e invisible fotógrafo son muestra de que la familia no está tan unida como pudiéramos pensar en un inicio, al igual que la actitud de los pequeños, que parecen estar en permanente estado de alerta y enfado a partes iguales.

La historia tiene lugar en cinco únicos días, divididos en capítulos, durante los cuales la relación familiar se va deteriorando poco a poco. En un principio Ebba se muestra enfadada con Tomas pero pronto parece haber olvidado el asunto; poco después comprobamos que no es así: su mundo perfecto se está tambaleando una vez más, como comprobaremos, y ella no está dispuesta a permitirlo. El personaje interpretado por Lisa Loven Kongsli resulta ser el más interesante  y complejo, con un desarrollo que tiene lugar  gracias al cobarde comportamiento de Tomas. Ebba se muestra como la madre que protege a su familia ante todo, pero entendiendo el concepto de familia no sólo desde el punto de vista tradicional sino como la vida ansiada. Ebba no comparte la visión liberal de las relaciones que sí posee su amiga Charlotte (Karin Myrenberg), no quiere renunciar a ciertos valores ni a la seguridad que le ofrece un matrimonio estable, aunque sólo lo sea en apariencia. Por eso es capaz de mirar hacia delante de nuevo, eso sí, una vez satisfecha su venganza humillando a su amado esposo y probando su confianza. 
Dicho así pareciera que Ebba es una mujer injusta y cruel y, aunque podamos comprenderla, en cierto modo lo es cuando utiliza a la pareja de amigos como improvisados psicólogos para conseguir que Tomas asuma su culpa; la avalancha de nieve se les avecina ahora a ellos también poniendo en riesgo una relación que, esta vez sí, parece auténtica y que, finalmente, se rompe en pedazos.  
La familia protagonista de Fuerza mayor


Ruben Östlund propone un marco revelador, unos Alpes espectaculares pero gélidos como la relación de sus protagonistas, para mostrarnos un drama a través de una planificación que alterna la vida en el hotel y las pistas de esquí y esas avalanchas provocadas por detonaciones controladas que van puntuando el desarrollo de la trama, al igual que los compases del Verano de Vivaldi, cuyos violines actúan como mecanismo de alarma para el espectador.  Una aventura de cinco días narrada de forma circular que pone en entredicho las relaciones familiares, la confianza en los que amamos y la necesidad de aparentar que todo funciona. Todo ello bajo un punto de vista irónico, con momentos realmente dramáticos y escenas absurdas que sirven como contrapunto en un contexto de abrumadora belleza captada con acierto por la mirada de Fredrik Wenzel. 

"Una aventura de cinco días narrada de forma circular que pone en entredicho las relaciones familiares, la confianza en los que amamos y la necesidad de aparentar que todo funciona."

Lo mejor: el personaje de Mats (estupendo Kristofer Hivju) y los toques de humor que aporta, que logran que el drama no sea excesivo y provocan las carcajadas del espectador. 

Lo peor: algunas escenas, como la de la borrachera multitudinaria, que no se sabe a cuento de qué vienen.