miércoles, 6 de mayo de 2015

De la A a la Z sobre Orson Welles: Diccionario rápido para conocerle mejor

Diseño: Mónica Agudo
Por María José Agudo

2015 es sin duda, el año de Orson Welles, por lo menos en cuanto a efemérides se refiere. A la conmemoración hoy 6 de mayo de los 100 años de su nacimiento hay que añadir que el 10 de octubre también se cumplirán tres décadas de su fallecimiento, y por si fuera poco, uno de sus mejores films, Campanadas a medianoche, ha celebrado su 50 cumpleaños.   

Desde este pequeño blog hemos querido aportar nuestro granito de arena a este centenario elaborando un diccionario que de la A a la Z repasa tanto aspectos relacionados con su obra fílmica como con su persona, imposible a veces disociar ambos. Él mismo dijo una vez: "Para mí el trabajo es parte de la vida, no sé distinguir entre ambas cosasEl trabajo es una expresión de la vida". Más allá de listas y tops, no hay discusión en que Welles fue uno los realizadores más influyentes de la historia del cine. Un creador con mayúsculas, no demasiado prolífico en cuanto a la dirección ya que solo rodó doce películas (algunas de ellas muy mutiladas) en más de 30 años de carrera. Como su admirado Don Quijote, luchó contra muchos molinos para sacar adelante proyectos que hablaban de su ambición, sus filias culturales (Shakespeare) y que demuestran lo adelantado que fue. Nos dejó una obra imperfecta, inacabada, audaz y brillante por momentos, que hoy reivindicamos. 

Este es el diccionario que hemos elaborado y que en algunos casos se complementa con vídeos e imágenes. Estás invitado a aportar más palabras porque sabemos que cuando hablamos de Welles y su leyenda, siempre nos quedaremos cortos.


jueves, 23 de abril de 2015

Doce adaptaciones que hacen justicia al libro original


Al inicio del club de lectura que coordino en la Biblioteca Pública de Badajoz (Leer en Imágenes) suelo comparar a las relaciones entre cine y literatura con un matrimonio de muchos años. Pueden llevarse fenomenal, regular, muy mal, ser fieles, infieles, tener una relación libre, y hasta pueden llegar a divorciarse... Pero en el fondo, por muy mal que salgan las cosas, siempre quedará algo de cariño por el hecho fundamental de que ambos narran una historia. Cine y literatura tienen lenguajes completamente distintos, y es por eso, que muchas veces los lectores vemos frustradas nuestras expectativas al ver adaptada esa novela que tanto nos ha gustado. Esto ya lo comprendió Hitchcock, por eso, le encantaba contar la anécdota de las dos ovejas que se están comiendo un rollo cinematográfico y una le pregunta a la otra "¿qué tal está?" y la otra le contesta: "buah, me gustó más el libro". 

Las comparaciones son inevitables, pero en el Día Internacional del Libro queremos repasar doce adaptaciones que hacen honor al libro del que parten. Unas destacan por su originalidad y riesgo, otras enriquecen a la novela original al plasmar de forma maravillosa aquello que acontece entre sus páginas. Esta es solo una selección que hemos leído y visto en dicho club. Sabemos que hay muchas más y nos encantará que aportéis vuestra opinión :)

Os dejo con mi selección gourmet de adaptaciones.

jueves, 2 de abril de 2015

Entrevista a Jon Garaño, codirector de Loreak


Jon Garaño conforma con José María Goenaga el tándem de directores que han firmado una de las películas más destacadas de 2014: Loreak (flores, en euskera), que contó con dos nominaciones en la pasada edición de los premios Goya. Es más, de alguna forma pasará a la historia del cine español por haber sido la primera producción en euskera candidata al Goya a la mejor película. Fue también la primera cinta íntegramente rodada en lengua vasca que compitió en la sección oficial del Festival de Cine de San Sebastián.

Loreak, de la que ya os hablamos en este blog, no logró el Goya pero sí ha obtenido, entre otros galardones, el San Pancracio 2015 a la mejor dirección, que otorga el Festival Solidario de Cine Español de Cáceres. Jon Garaño fue el encargado de recoger este premio en el transcurso de la gala de los premios San Pancracio, celebrada el pasado 14 de marzo en el Gran Teatro de Cáceres. Antes de la gala, Jon Garaño tuvo la gentileza de hablar para Cine en conserva.


Por José Manuel Rodríguez Pizarro
Redactor-colaborador de la revista de cine Versión Original
@JMRguezPizarro

¿Cuál es el origen de Loreak?

La primera idea fue de mi compañero, José María Goenaga, co-director y guionista. Él siempre dice que le surgió la idea de ver esa imagen de las flores en la carretera, que tiene mucha fuerza. Ves que detrás de esas flores hay un drama pero también hay algo misterioso, enigmático, que te hace pensar que puede haber una historia detrás de esas flores. El otro punto de partida de esta historia es que una mujer empieza a recibir flores semanalmente. Y la fuente de inspiración de la trama viene de la canción “Un ramito de violetas” de Cecilia. Canción y película tienen un desarrollo diferente pero la inspiración vino de ahí. Nos parecía interesante porque había una relación entre esas dos historias, aparecen unas flores misteriosas en las dos historias y el cómo reaccionan los personajes ante ellas tenía cierto paralelismo. Había un juego de espejos y ahí es cómo se empezó a construir la película.

"La fuente de inspiración de la trama viene de la canción “Un ramito de violetas” de Cecilia"

El papel de la mujer es muy importante. Hay tres actrices que destacan por encima del reparto, algunas de ellas muy conocidas en el País Vasco.

Son tres actrices para nosotros excepcionales. No son muy conocidas fuera del País Vasco pero allí sí que lo son. Ha sido una suerte trabajar con ellas. Con Itziar Aizpuru (la mujer mayor) ya habíamos trabajado porque fue la protagonista de nuestra primera película. En aquella ocasión era una señora de caserío que se ve envuelta en una historia de amor con otra señora. Era, como digo, una historia de amor entre dos señoras mayores; ella (Itziar Aizpuru) era la protagonista absoluta de esta película, llamada 80 egunean (En 80 días) (2010). Al haber un papel para una señora mayor en Loreak, estaba claro que tenía que ser para ella. De hecho, cuando José Mari escribió esa primera versión de Loreak y la leí había partes del diálogo que no eran de José Mari sino que se los había robado a la propia actriz. Tenía que ser ella.


Itziar Aizpuru, que sí se llevó un Feroz a mejor actriz de reparto
En el caso de Nagore Aranburu, ella era una actriz con la que queríamos trabajar porque nos gusta mucho, nos parece que es la actriz perfecta para hacer ese papel. Aún así le hicimos un casting, lo hizo muy bien y decidimos hacerlo con ella. Ha sido una experiencia curiosa porque Nagore, aparte de actriz, también es guionista, sobre todo, y ha dirigido obras en teatro y para TV. Entonces ha sido una forma de trabajar diferente, pensando desde atrás de la cámara. Nagore hace un trabajo excepcional, además difícil porque tiene que expresar mucho con poco y es algo a lo que a veces no se le da mucho mérito, y lo tiene.

Por su parte, Itziar Ituño es una actriz muy conocida en el País Vasco porque es la protagonista de Goenkale, una serie que lleva veintiún años en antena en la ETB, en la televisión pública vasca, y hace de policía. En Loreak hace un papel totalmente diferente. Al principio teníamos dudas con el personaje que hacía ella porque, por un momento, nos imaginábamos que tenía que ser una persona mayor pero al final nos convenció y decidimos hacerlo con ella, después de un proceso largo de casting. Ahora estamos encantados con el trabajo de las tres y de todo el reparto en general porque en una película si quienes están alrededor de los protagonistas no dan el nivel, de alguna forma, eso se contagia a los protagonistas. Son, por tanto, también dignos de cualquier elogio.

La película Loreak es también una forma de reflejar la realidad cultural, paisajística –a través de la iluminación– de lo que es el País Vasco, un ambiente del norte peninsular.

Nos lo dicen mucho e incluso a veces nos preguntan: ¿llueve tanto en el País Vasco? La respuesta es que sí y más. De hecho, llevamos un mes de febrero tremendo, que no ha dejado de llover. Y sí, es parte de nuestra forma de ser y eso también se transmite. La climatología, el ambiente, se mete en la personalidad. Para nosotros era también importante que transcurriese en esa época del año en que todo está más oscuro, hay poca luz porque incluso los personajes –a excepción del final de la película, que no vamos a desvelar, en que hay un poco más de luz– se sienten un poco así, como mirando hacia dentro, asfixiados. Creo que el ambiente también juega su papel en ese sentido, está reforzando de alguna forma lo que les está pasando y lo que están pensando.




miércoles, 1 de abril de 2015

Entrevista a Raúl Arévalo, en el marco del Festival Solidario de Cine de Cáceres 2015


Este blog acudió un año más a la Gala de los San Pancracio del Festival Solidario de Cine Español de Cáceres, celebrada el 14 de marzo. De nuevo, Cáceres desplegó la alfombra roja y arropó a un nutrido grupo de representantes del cine español: desde el polifacético Santiago Segura hasta actrices como Bárbara Lennie, que recibió el San Pancracio a la mejor actriz por su interpretación en Magical Girl, pasando por directores de cine como Jon Garaño (Loreak), a quien pudimos entrevistar en exclusiva, o figurinistas de primera como la extremeña Montserrat Sancho que recibió el premio "Reyes Abades" por su trabajo entre costuras. 

Otro de los premiados (aquí puedes ver el resto: Premios San Pancracio 2015) fue el actor Raúl Arévalo, recompensado por fin por su trabajo en La isla mínima, la gran triunfadora en la última entrega de los Goya. Pudimos conversar unos minutos con él tras el encuentro que mantuvo con la prensa en el Gran Teatro de Cáceres. Desde aquí le agradecemos su amabilidad y sencillez al atendernos.

Entrevista realizada por María José Agudo Rodríguez

Me imagino que estarás muy contento por haber recibido el San Pancracio. Además, han recaído muchos premios en compañeros de reparto de La isla mínima, como es el caso de Javier Gutiérrez (Premio en el Festival de San Sebastián, Goya al mejor actor...), y ha sido un gran trabajo el que habéis hecho los dos actores protagonistas.

Me lo tomo como algo entregado con mucho cariño, teniendo en cuenta además que viene de una ciudad de provincias, que no es Madrid ni Barcelona, en las que a veces no es fácil que llegue determinado tipo de películas. Hay que sumar, por tanto, el hecho de que una ciudad como Cáceres organice este festival y se reciba tanto cariño y amor al cine y a la gente que hace cine. Lo recibo como una muestra de cariño y de apoyo a una carrera que, a mi edad, es una palmadita en la espalda, como diciendo “sigue por ahí”. La isla mínima ha sido uno de los trabajos más enriquecedores de toda mi carrera. De todos los trabajos he aprendido, pero de éste mucho: poder haberlo hecho con Alberto Rodríguez y de la mano de Javier, con todo lo que hizo por mí… Es uno de esos trabajos que guardas con más cariño y de los que más aprendí a nivel profesional y humano.

"La isla mínima ha sido uno de los trabajos más enriquecedores de toda mi carrera"



La isla mínima transcurre en la época de la Transición, en las marismas del Guadalquivir. Tu personaje, Raúl, representa la apertura frente al de Javier Gutiérrez, que está más anclado en el pasado, en el franquismo. ¿Cómo afrontaste la preparación de tu personaje?

La película la ensayamos mucho tiempo, un mes, que no es común en cine, y asesorados y dirigidos por Alberto, viendo documentales, leyendo mucho sobre el momento y sobre personajes similares. Fue un mes intenso de preparación y de investigación sobre la época y los personajes.

Además en un contexto muy particular: las marismas, que es casi un personaje más, un contexto que marca lo que le ocurre a los personajes, la desaparición…

El rodaje se hizo duro pero luego quedó todo muy bonito.

Si por algo destaca Raúl Arévalo es por su versatilidad y por tener una prolífica carrera en el teatro, el cine y la televisión. En 2006 te llegó uno tus grandes papeles hasta ese momento, en la exitosa ópera prima de Daniel Sánchez Arévalo Azul Oscuro Casi Negro. Obtuviste el Goya a la mejor interpretación masculina de reparto por Gordos (2009). ¿Hay un medio que le tengas especial cariño? ¿Te desenvuelves en todos del mismo modo?

Depende del proyecto. Un actor donde más puede disfrutar es en el teatro pero no depende tanto del medio o del género sino de muchos factores: el guion, los compañeros, el director, el personaje, depende más del contexto.

Otra película que quizás no ha tenido tanta repercusión en 2014 pero en la que también participaste ha sido La vida inesperada, donde desprendiste química con Javier Cámara. ¿Qué puedes contarnos de ese proyecto, cómo te sentiste al rodarla en Nueva York?

Lo rodamos en Nueva York, que fue lo más chulo. Estuvimos dos meses rodando allí. Para un actor que se ha criado viendo películas que se ambientan en Nueva York, pasear en esta ciudad con una cámara delante… aquello fue muy bonito, fueron dos meses muy divertidos.

viernes, 20 de marzo de 2015

Crítica de "Pasolini" de Abel Ferrara


María Vaquero quien ya escribió de Fuerza Mayor, vuelve al blog para hablarnos de Pasolini, la película biográfica que ha dirigido Abel Ferrara (Teniente corrupto o El funeral) y que está protagonizada por Willem Dafoe. La cinta narra los últimos días del revolucionario director de cine italiano, asesinado en 1975 en el pueblo costero de Ostia (Italia).

martes, 17 de marzo de 2015

El montaje final de Blade Runner se reestrena en 35 cines españoles


El clásico de ciencia-ficción Blade Runner, del que ya sabéis que soy fan incondicional y en este artículo dejé prueba de ello (Diez poderosas razones por las que amo Blade Runner) regresa mañana 18 de marzo a 35 cines españoles con un nuevo montaje de su director Ridley Scott

Quienes tengan la suerte de poder ver esta nueva versión, llamada Blade Runner: The Final Cut, podrán verla remasterizada y en versión original. Según informa Warner Bros, que está detrás de la iniciativa y que hace poco también reestrenó Alien, el octavo pasajero, la película vuelve a la cartelera treinta y tres años después de su estreno original en 1982 (cuando a pesar de ser un fracaso de taquilla logró más de un millón de espectadores) y ocho años después de su último estreno en 2007 cuando se proyectó el montaje final del director. Recordemos que en el montaje de Ridley Scott, a diferencia del de 1982, se eliminó además del happy end, la voz en off de Deckard (para muchos innecesaria).

En este enlace podéis ver los cines donde se exhibirá http://www.warnerbros.es/noticias/blade-runner-vuelve-a-la-gran-pantalla/

Os dejamos con el vídeo que ha elaborado para su reestreno en los cines británicos el British Film Institute (BFI). Y os animamos a verla en pantalla grande ya que tiene que ser una experiencia inolvidable.



viernes, 27 de febrero de 2015

Crítica Fuerza Mayor (Turist)


Hoy llega a nuestras pantallas Fuerza Mayor (Turist), una de las películas europeas más premiadas del año pasado. Entre otros galardones, la película del sueco Ruben Östlund consiguió en el pasado Festival de Cine Europeo de Sevilla el Giraldillo de Oro a la mejor película. Para conocer un poco más sobre ella, enviamos a su pase de prensa a María Vaquero, del blog Memoria de Bolboreta y colaboradora en la revista Versión Original. Os dejamos con su crítica.

Fuerza Mayor (Turist)
por María Vaquero

Si en su anterior película (Play, 2011) Ruben Östlund jugaba con los prejuicios raciales de los espectadores, en Fuerza mayor (2011) pone en entredicho la autenticidad de los lazos que nos unen dentro del ámbito en el que nos sentimos más seguros: la familia.

Tomas (Johannes Bah Kuhnke) viaja a los Alpes franceses para pasar cinco tranquilos días de esquí con su hermosa mujer Ebba y los dos hijos que tienen en común, Vera y Harry (Clara y Vincent Wettergren). Todo parece marchar dentro de la normalidad que se supone en una familia feliz, acomodada y perfecta pero esta paz se rompe de la forma más inesperada, cuando un alud controlado está a punto de tragarse a la familia y Tomas huye para salvar su vida sin pensar en los suyos. A partir de este suceso somos espectadores de la evolución que sufre la familia, pero también somos interpelados acerca de la postura que adoptaríamos  nosotros mismos: ¿cuál sería nuestra reacción?



Desde el primer momento se aprecia una influencia evidente del cine de Michael Haneke, director que gusta de poner en riesgo la tranquilidad de núcleos familiares acomodados mediante un suceso que fragmenta esa seguridad en mil pedazos. Sin embargo, la propuesta de Ruben Östlund pone en juego otros elementos dado que, desde el inicio del film, ya intuimos que algo va mal: las fotografías que toma el insistente e invisible fotógrafo son muestra de que la familia no está tan unida como pudiéramos pensar en un inicio, al igual que la actitud de los pequeños, que parecen estar en permanente estado de alerta y enfado a partes iguales.

La historia tiene lugar en cinco únicos días, divididos en capítulos, durante los cuales la relación familiar se va deteriorando poco a poco. En un principio Ebba se muestra enfadada con Tomas pero pronto parece haber olvidado el asunto; poco después comprobamos que no es así: su mundo perfecto se está tambaleando una vez más, como comprobaremos, y ella no está dispuesta a permitirlo. El personaje interpretado por Lisa Loven Kongsli resulta ser el más interesante  y complejo, con un desarrollo que tiene lugar  gracias al cobarde comportamiento de Tomas. Ebba se muestra como la madre que protege a su familia ante todo, pero entendiendo el concepto de familia no sólo desde el punto de vista tradicional sino como la vida ansiada. Ebba no comparte la visión liberal de las relaciones que sí posee su amiga Charlotte (Karin Myrenberg), no quiere renunciar a ciertos valores ni a la seguridad que le ofrece un matrimonio estable, aunque sólo lo sea en apariencia. Por eso es capaz de mirar hacia delante de nuevo, eso sí, una vez satisfecha su venganza humillando a su amado esposo y probando su confianza. 
Dicho así pareciera que Ebba es una mujer injusta y cruel y, aunque podamos comprenderla, en cierto modo lo es cuando utiliza a la pareja de amigos como improvisados psicólogos para conseguir que Tomas asuma su culpa; la avalancha de nieve se les avecina ahora a ellos también poniendo en riesgo una relación que, esta vez sí, parece auténtica y que, finalmente, se rompe en pedazos.  
La familia protagonista de Fuerza mayor


Ruben Östlund propone un marco revelador, unos Alpes espectaculares pero gélidos como la relación de sus protagonistas, para mostrarnos un drama a través de una planificación que alterna la vida en el hotel y las pistas de esquí y esas avalanchas provocadas por detonaciones controladas que van puntuando el desarrollo de la trama, al igual que los compases del Verano de Vivaldi, cuyos violines actúan como mecanismo de alarma para el espectador.  Una aventura de cinco días narrada de forma circular que pone en entredicho las relaciones familiares, la confianza en los que amamos y la necesidad de aparentar que todo funciona. Todo ello bajo un punto de vista irónico, con momentos realmente dramáticos y escenas absurdas que sirven como contrapunto en un contexto de abrumadora belleza captada con acierto por la mirada de Fredrik Wenzel. 

"Una aventura de cinco días narrada de forma circular que pone en entredicho las relaciones familiares, la confianza en los que amamos y la necesidad de aparentar que todo funciona."

Lo mejor: el personaje de Mats (estupendo Kristofer Hivju) y los toques de humor que aporta, que logran que el drama no sea excesivo y provocan las carcajadas del espectador. 

Lo peor: algunas escenas, como la de la borrachera multitudinaria, que no se sabe a cuento de qué vienen.