“De-mente”, el nuevo corto de nuestro colaborador Lorenzo Ayuso

No todo va a ser Jurassic World y grandes superproducciones, desde este pequeño blog también queremos dar cobertura al trabajo de realizadores noveles del panorama español, y más aún si tenemos el gusto de conocerles y saber de su talento. Este es el caso de De-mente, el segundo cortometraje como director de Lorenzo Ayuso tras Evaluación Final, que supuso su debut profesional ante las cámaras. 

Producido por Amania Films, responsable de Agur, Malas vibraciones o el inminente Artificial, este nuevo proyecto acaba de concluir su rodaje y cuenta con rostros conocidos en su reparto; como el actor Malcolm T. Sitté (a quien hemos podido ver en la serie de televisión El Chiringuito de Pepe y veremos en Palmeras en la nieve). Él y Sergio Sánchez Shaw (Evaluación Final, Woyzeck, El monstruo ríe) son los protagonistas del segundo trabajo de Lorenzo, de quien habéis podido leer en este blog algunas críticas y especiales.

¿Qué cuenta De-mente? 

Klaus (Sánchez Shaw), un actor fracasado, se presenta de madrugada en casa de su viejo amigo Genio (Sitté), otro intérprete de carrera meteórica en televisión. Klaus tiene algo importante que decirle: confiesa que, desde pequeño, ha tenido visiones premonitorias, y que esa misma noche, ha visto en sueños a Genio brutalmente asesinado. Sin embargo, Genio, recién llegado de una fiesta de disfraces y ataviado como Drácula Negro, se muestra escéptico...

Según nos informa la productora, este trabajo está rodado con una Red Epic Dragon, una de las cámaras punteras del actual mercado audiovisual, y se ha llevado a cabo gracias a un nutrido y experimentado equipo, en el que se cuentan los nombres, entre otros, del reputado y solicitado Roberto Castelli (fotógrafo y realizador para marcas como Beefeater, eBay, Marypaz o Pokerstars) como director de fotografía; Pepe Rodríguez, líder de Dardem, en la banda sonora o Lita Echeverría (Artificial), en la dirección artística.

Mitad comedia negra, mitad terror psicológico, géneros muy del gusto de su realizador, De-mente es según su creador un corto desasosegante pero divertido, con diálogos punzantes, situaciones excéntricas y personajes en el límite, influenciado por cintas tan dispares como Fudoh, Siete notas en negro, The Lords of Salem o Matar o no matar, ese el problema. Su estreno está previsto para finales de 2015, cuando comience a abrirse camino por el circuito de festivales.

Podéis seguir todas las novedades en torno a la producción a través de su Facebook oficial: http://www.facebook.com/de.mente.corto/

Desde aquí le deseamos toda la suerte a Lorenzo con este nuevo cortometraje. 

FICHA TÉCNICA

Año de producción: 2015;

Nacionalidad: Española;

Producción: Amania Films

Dirección y guión: Lorenzo Ayuso        

Productores ejecutivos: Luis Espinosa, David P. Sañudo;

Dirección de producción: Elena Maeso

Ayudante de Dirección: Angelines Amaro Gómez

Dirección de Fotografía: Roberto Castelli

Montaje: Eduardo Ovejero

Música: Pepe Rodríguez

Sonido directo: Jorge Granda

Dirección Artística: Lita Echeverría

VFX: Azahara Gómez

Efectos especiales de maquillaje: Santiago Gijón Jiménez (HYDE FX)

Maquillaje: Alba Jiménez

Vestuario: Elixabet Núñez

Intérpretes:

Malcolm T. Sitté (Genio/Blácula)

Sergio Sánchez Shaw (Klaus)

David Blanka (Presentador de TV)

Carol Andrés Orellana (Presentadora de TV)

Y... El perro Otto (Roman)

Crítica Nuestro último verano en Escocia

El encanto de la sencillez

Por María José Agudo @Mary_Agurod

Las feel good movie o películas de buen rollo no suelen tener muy buena prensa, aún cuando por lo general, consiguen encandilar a numerosos espectadores. Se les critica su tendencia al buenismo y su calculado manejo de emociones, algo que ya Capra dominaba a la perfección. En un mundo cada vez más obsesionado por ser feliz, este cine de naturaleza optimista se convierte en un alivio para nuestros, a veces, maltrechos corazones. Son la auto confirmación de ese dicho tan popular: "Dios aprieta pero no ahoga". El efecto que provocan a la salida del cine suele ser de una vitalidad contagiosa, algo que no viene mal en tiempos de hipermedicación contra la depresión.

Sin abusar del azúcar y con mucho humor negro, llega a nuestras pantallas Nuestro último verano en Escocia (What we did on our Holiday), el último ejemplo de film que podría encajar dentro de este subgénero. Una comedia que fue Premio del Público en la Seminci de Valladolid, y que tiene en su dirección de actores una de sus mayores fortalezas. Prácticamente, todo el reparto está estupendo y creíble en sus respectivos papeles, incluida una Rosamund Pike que aún perdura en nuestra memoria por su brillante composición de Amy en Perdida. Aquí exhibe un rol totalmente diferente (mucho más liviano), pero indicativo de lo camaleónica que puede resultar esta actriz británica. 

Pero si el plantel adulto da la talla, muy especialmente el personaje entrañable del abuelo (interpretado por el veterano actor escocés Billy Connolly), hay que llamar la atención al espectador sobre los tres retoños del matrimonio de ficción que conforman Doug y Abi. A día de hoy no es fácil toparse con unas interpretaciones infantiles como las que aquí se consiguen: naturales, divertidas y nada repelentes. Parece de perogrullo pero aquí los niños (salvo en algún momento crucial) parecen de verdad niños: con sus ocurrencias, su fantasía desbordante, su capacidad para poner a los adultos en un aprieto o su insospechada madurez. Esta última característica está subrayada a lo largo de diferentes escenas, y se diría que hay momentos en donde los pequeños son más sensatos que los adultos que los rodean. 

Los tres hijos son por tanto cruciales en la trama escrita por los británicos Andy Hamilton y Guy Jenkin (responsables de la serie inglesa Outnumbered) y creadores acostumbrados a trabajar con menores, algo que sería la pesadilla de Alfred Hitchcock. Ellos son el motor de una película que se pasa en un suspiro y que no deja de ser un canto a la vida, la vida de cualquier mortal, la que tiene buenos y malos momentos, la que incluso cuando muestra su peor cara, como dice el personaje del abuelo, no quieres que se acabe. 

Algunos lectores pensarán que me he dejado llevar por el almíbar o el mantra del "carpe diem" que rezuman este tipo de películas, pero nada más lejos de la realidad. Aunque Nuestro último verano en Escocia coquetee con la sensiblería y tire de tópicos, sabe ser ácida, locuaz y también crítica con los comportamientos de aquellos que ya hemos sobrepasado la infancia (al menos en apariencia).

Lo mejor: El reparto, como han trabajado los directores con los niños (otorgándoles libertad en muchas de sus frases), los diálogos más punzantes y negros, el momento de la cuñada (una suerte de ama de casa perfecta que lleva en potencia una Beverly de Los asesinatos de mamá).

Lo peor: Cierta ligereza en algunos personajes secundarios y situaciones más previsibles o tópicas que buscan incidir en el mensaje final.

De bonus track os dejamos con la deliciosa canción que puede escucharse en la película, ya utilizada en otros films como la también británica Despertando a Ned o El indomable Will Hunting. 

Sorteamos dos entradas dobles para el preestreno en Madrid de Insidious Capítulo 3

CONCURSO CERRADO

Atención, amantes del cine de terror y de lo sobrenatural, porque gracias a Sensacine sorteamos 2 entradas dobles para asistir al preestreno el próximo 3 de junio a las 20:00 horas en Kinépolis Ciudad de la Imagen de la tercera entrega de Insidious. En esta ocasión, James Wan, responsable de las dos anteriores (de la segunda publicamos crítica en el blog) se ha bajado del barco, y le cede la claqueta a Leigh Whannell, quien ya había colaborado en el guion de Insidious 1 y 2. Esta precuela cuenta con algunos rostros conocidos por el gran público como Dermot Mulroney, (La boda de mi mejor amigo).

Cómo participar

Para conseguir alguna de las dos entradas tendrás que seguir una serie de pasos:

1. Tendrás que hacerte seguidor de alguna de nuestras redes (twitter o Facebook), y de alguna de las redes de Sensacine (twitter, Facebook o Google+).

2. Tienes que escribir un tuit que mencione a @Sensacine y @Cineenconserva. 

Algo así: "No me pierdo el preestreno de #InsidiousCapítulo3 gracias @Sensacine y @Cineenconserva. Si no tienes Twitter puedes incluir un mensaje parecido en la actualización que pongamos en Facebook de dicho concurso.

3. Después de escribir el tweet, tienes que enviar un email a cineenconserva@gmail.com  con el asunto "Concurso Insidious Capítulo 3", en donde respondáis a la siguiente pregunta. ¿Quién fue el director de las dos entregas anteriores de Insidious? Por favor, indicad vuestro nombre y apellidos para en caso de que seáis los afortunados podamos gestionar el concurso de forma correcta.

Recordad que tenéis hasta el lunes 1 de marzo incluido para participar. Al día siguiente, avisaremos a los dos ganadores por email y también lo comunicaremos por nuestras redes sociales. 

Suerte!

Dheepan de Jacques Audiard, ganadora de la Palma de Oro de Cannes 2015

Contra todo pronóstico, al menos de la crítica allí presente, Dheepan, el filme del francés Jacques Audiard, se ha llevado la Palma de Oro del Festival de Cannes de este año, en una edición criticada no solo por el reparto del Palmarés sino también, por la excesiva presencia de títulos franceses en la competición oficial. Polémicas aparte, este drama sobre la inmigración del director de Un profeta, cineasta que ya se alzó en 2009 con el Gran Premio del Jurado de este mismo festival, consiguió poner de acuerdo al variopinto jurado de esta edición, presidido en esta ocasión por los hermanos Coen y compuesto entre otros por Guillermo del Toro, Xavier Dolan, o nuestra chica Almódovar más picassiana, la inconfundible Rossy de Palma.

El segundo gran premio de Cannes, "El Gran Premio del Jurado", recayó en la ópera prima del húngaro László Nemes, Hijo de Saul (Saul fia), una historia según el jurado "sobrecogedora" con un punto de vista muy singular y que transcurre en el campo de concentración de Auschwitz, mientras que el de mejor director fue para Hou Hsia Hsien por The assassin. Al jurado también le sedujo la nueva propuesta del siempre provocador Yorgos Lanthimos (Canino, Alps) quien por primera vez ha rodado en inglés y con grandes estrellas como Colin Farrell y Rachel Weisz. Su distopía The Lobster (La langosta) fue recompensada con el Premio del Jurado. 

Si bien pocas podían ser más originales en guion que lo nuevo del director griego, el premio al Mejor Guion fue concedido para Chronic, del mexicano Michel Franco. El director de Después de Lucía se hizo con este galardón en una edición en donde -si bien no puede decirse que tuviera mucho acento español- el cine latinoamericano consiguió dos premios importantes en otras secciones paralelas a la oficial: mejor película en la Semana de la Crítica para la argentina La patota, y mejor film en La Quincena de Realizadores para la colombiana El abrazo de la serpiente.

En cuanto a premios en la categoría de interpretación, el actor francés Vincent Lindon fue galardonado con el premio a la mejor interpretación masculina del Festival, por su papel de un desempleado de larga duración en La loi du marché del también francés Stéphane Brizé. Muy aplaudidas fueron las interpretaciones de Rooney Mara y Cate Blanchett en la adaptación de Todd Haynes de la obra de Patricia Highsmith, Carol, pero solo la primera logró el galardón a mejor actriz del Festival, compartido eso sí con la francesa Emmanuelle Bercot, por Mon roi (Mi rey)

Por último, la directora Agnès Varda recibió en esta edición la Palma de Oro de Honor que por primera vez fue concedida a una mujer. El desequilibrio entre el reconocimiento a directoras sigue siendo evidente (aquí y en otros muchos sitios), como demuestra el hecho de que en toda la historia del Festival solo una mujer, Jane Campion por El piano, haya ganado la Palma de Oro.

Palmarés Cannes 2015

Palma de Oro: Dheepan, de Jacques Audiard

Gran Premio del Jurado: Hijo de Saul, de László Nemes 

Mejor dirección: Hou Hsiao-Hsien, por The Assassin

Mejor guión: Chronic , de Michel Franco

Mejor actor: Vincent Lindon, por La loi du marché

Mejor actriz: Rooney Mara, por Carol, y Emmanuelle Bercot, por Mon roi

Premio del Jurado: The Lobster, de Yorgos Lanthimos

Cámara de Oro a la mejor ópera prima: La tierra y la sombra, de César Augusto Acevedo

Palma de Oro al mejor cortometraje: Waves 98, de Ely Dagher

FIPRESCI Sección Oficial: Son of Saul, László Nemes 

Son of Saul del húngaro László Nemes

Mejor película en Una cierta mirada: Hrútar, de Grímur Hákonarson

Mejor película en Quincena de Realizadores: El abrazo de la serpiente, de Ciro Guerra.

Mejor película de la Semana de la Crítica: Paulina (La patota), de Santiago Mitre


Recuerda que puedes leer nuestros especiales Siete Palmas de Oro que no puedes perderte, Volumen 1 y Volumen 2.

De la A a la Z sobre Orson Welles: Diccionario rápido para conocerle mejor

Diseño: Mónica Agudo

Por María José Agudo

2015 es sin duda, el año de Orson Welles, por lo menos en cuanto a efemérides se refiere. A la conmemoración hoy 6 de mayo de los 100 años de su nacimiento hay que añadir que el 10 de octubre también se cumplirán tres décadas de su fallecimiento, y por si fuera poco, uno de sus mejores films, Campanadas a medianoche, ha celebrado su 50 cumpleaños.   

Desde este pequeño blog hemos querido aportar nuestro granito de arena a este centenario elaborando un diccionario que de la A a la Z repasa tanto aspectos relacionados con su obra fílmica como con su persona, imposible a veces disociar ambos. Él mismo dijo una vez: "Para mí el trabajo es parte de la vida, no sé distinguir entre ambas cosas. El trabajo es una expresión de la vida". Más allá de listas y tops, no hay discusión en que Welles fue uno los realizadores más influyentes de la historia del cine. Un creador con mayúsculas, no demasiado prolífico en cuanto a la dirección ya que solo rodó doce películas (algunas de ellas muy mutiladas) en más de 30 años de carrera. Como su admirado Don Quijote, luchó contra muchos molinos para sacar adelante proyectos que hablaban de su ambición, sus filias culturales (Shakespeare) y que demuestran lo adelantado que fue. Nos dejó una obra imperfecta, inacabada, audaz y brillante por momentos, que hoy reivindicamos. 

Este es el diccionario que hemos elaborado y que en algunos casos se complementa con vídeos e imágenes. Estás invitado a aportar más palabras porque sabemos que cuando hablamos de Welles y su leyenda, siempre nos quedaremos cortos.

Entrevista a Jon Garaño, codirector de Loreak

Jon Garaño conforma con José María Goenaga el tándem de directores que han firmado una de las películas más destacadas de 2014: Loreak (flores, en euskera), que contó con dos nominaciones en la pasada edición de los premios Goya. Es más, de alguna forma pasará a la historia del cine español por haber sido la primera producción en euskera candidata al Goya a la mejor película. Fue también la primera cinta íntegramente rodada en lengua vasca que compitió en la sección oficial del Festival de Cine de San Sebastián.

Loreak, de la que ya os hablamos en este blog, no logró el Goya pero sí ha obtenido, entre otros galardones, el San Pancracio 2015 a la mejor dirección, que otorga el Festival Solidario de Cine Español de Cáceres. Jon Garaño fue el encargado de recoger este premio en el transcurso de la gala de los premios San Pancracio, celebrada el pasado 14 de marzo en el Gran Teatro de Cáceres. Antes de la gala, Jon Garaño tuvo la gentileza de hablar para Cine en conserva.

Por José Manuel Rodríguez Pizarro

Redactor-colaborador de la revista de cine Versión Original

@JMRguezPizarro

¿Cuál es el origen de Loreak?

La primera idea fue de mi compañero, José María Goenaga, co-director y guionista. Él siempre dice que le surgió la idea de ver esa imagen de las flores en la carretera, que tiene mucha fuerza. Ves que detrás de esas flores hay un drama pero también hay algo misterioso, enigmático, que te hace pensar que puede haber una historia detrás de esas flores. El otro punto de partida de esta historia es que una mujer empieza a recibir flores semanalmente. Y la fuente de inspiración de la trama viene de la canción “Un ramito de violetas” de Cecilia. Canción y película tienen un desarrollo diferente pero la inspiración vino de ahí. Nos parecía interesante porque había una relación entre esas dos historias, aparecen unas flores misteriosas en las dos historias y el cómo reaccionan los personajes ante ellas tenía cierto paralelismo. Había un juego de espejos y ahí es cómo se empezó a construir la película.

"La fuente de inspiración de la trama viene de la canción “Un ramito de violetas” de Cecilia"

El papel de la mujer es muy importante. Hay tres actrices que destacan por encima del reparto, algunas de ellas muy conocidas en el País Vasco.

Son tres actrices para nosotros excepcionales. No son muy conocidas fuera del País Vasco pero allí sí que lo son. Ha sido una suerte trabajar con ellas. Con Itziar Aizpuru (la mujer mayor) ya habíamos trabajado porque fue la protagonista de nuestra primera película. En aquella ocasión era una señora de caserío que se ve envuelta en una historia de amor con otra señora. Era, como digo, una historia de amor entre dos señoras mayores; ella (Itziar Aizpuru) era la protagonista absoluta de esta película, llamada 80 egunean (En 80 días) (2010). Al haber un papel para una señora mayor en Loreak, estaba claro que tenía que ser para ella. De hecho, cuando José Mari escribió esa primera versión de Loreak y la leí había partes del diálogo que no eran de José Mari sino que se los había robado a la propia actriz. Tenía que ser ella.

Itziar Aizpuru, que sí se llevó un Feroz a mejor actriz de reparto

En el caso de Nagore Aranburu, ella era una actriz con la que queríamos trabajar porque nos gusta mucho, nos parece que es la actriz perfecta para hacer ese papel. Aún así le hicimos un casting, lo hizo muy bien y decidimos hacerlo con ella. Ha sido una experiencia curiosa porque Nagore, aparte de actriz, también es guionista, sobre todo, y ha dirigido obras en teatro y para TV. Entonces ha sido una forma de trabajar diferente, pensando desde atrás de la cámara. Nagore hace un trabajo excepcional, además difícil porque tiene que expresar mucho con poco y es algo a lo que a veces no se le da mucho mérito, y lo tiene.

Por su parte, Itziar Ituño es una actriz muy conocida en el País Vasco porque es la protagonista de Goenkale, una serie que lleva veintiún años en antena en la ETB, en la televisión pública vasca, y hace de policía. En Loreak hace un papel totalmente diferente. Al principio teníamos dudas con el personaje que hacía ella porque, por un momento, nos imaginábamos que tenía que ser una persona mayor pero al final nos convenció y decidimos hacerlo con ella, después de un proceso largo de casting. Ahora estamos encantados con el trabajo de las tres y de todo el reparto en general porque en una película si quienes están alrededor de los protagonistas no dan el nivel, de alguna forma, eso se contagia a los protagonistas. Son, por tanto, también dignos de cualquier elogio.

La película Loreak es también una forma de reflejar la realidad cultural, paisajística –a través de la iluminación– de lo que es el País Vasco, un ambiente del norte peninsular.

Nos lo dicen mucho e incluso a veces nos preguntan: ¿llueve tanto en el País Vasco? La respuesta es que sí y más. De hecho, llevamos un mes de febrero tremendo, que no ha dejado de llover. Y sí, es parte de nuestra forma de ser y eso también se transmite. La climatología, el ambiente, se mete en la personalidad. Para nosotros era también importante que transcurriese en esa época del año en que todo está más oscuro, hay poca luz porque incluso los personajes –a excepción del final de la película, que no vamos a desvelar, en que hay un poco más de luz– se sienten un poco así, como mirando hacia dentro, asfixiados. Creo que el ambiente también juega su papel en ese sentido, está reforzando de alguna forma lo que les está pasando y lo que están pensando.

Entrevista a Raúl Arévalo, en el marco del Festival Solidario de Cine de Cáceres 2015

Este blog acudió un año más a la Gala de los San Pancracio del Festival Solidario de Cine Español de Cáceres, celebrada el 14 de marzo. De nuevo, Cáceres desplegó la alfombra roja y arropó a un nutrido grupo de representantes del cine español: desde el polifacético Santiago Segura hasta actrices como Bárbara Lennie, que recibió el San Pancracio a la mejor actriz por su interpretación en Magical Girl, pasando por directores de cine como Jon Garaño (Loreak), a quien pudimos entrevistar en exclusiva, o figurinistas de primera como la extremeña Montserrat Sancho que recibió el premio "Reyes Abades" por su trabajo entre costuras. 

Otro de los premiados (aquí puedes ver el resto: Premios San Pancracio 2015) fue el actor Raúl Arévalo, recompensado por fin por su trabajo en La isla mínima, la gran triunfadora en la última entrega de los Goya. Pudimos conversar unos minutos con él tras el encuentro que mantuvo con la prensa en el Gran Teatro de Cáceres. Desde aquí le agradecemos su amabilidad y sencillez al atendernos.

Entrevista realizada por María José Agudo Rodríguez

Me imagino que estarás muy contento por haber recibido el San Pancracio. Además, han recaído muchos premios en compañeros de reparto de La isla mínima, como es el caso de Javier Gutiérrez (Premio en el Festival de San Sebastián, Goya al mejor actor...), y ha sido un gran trabajo el que habéis hecho los dos actores protagonistas.

Me lo tomo como algo entregado con mucho cariño, teniendo en cuenta además que viene de una ciudad de provincias, que no es Madrid ni Barcelona, en las que a veces no es fácil que llegue determinado tipo de películas. Hay que sumar, por tanto, el hecho de que una ciudad como Cáceres organice este festival y se reciba tanto cariño y amor al cine y a la gente que hace cine. Lo recibo como una muestra de cariño y de apoyo a una carrera que, a mi edad, es una palmadita en la espalda, como diciendo “sigue por ahí”. La isla mínima ha sido uno de los trabajos más enriquecedores de toda mi carrera. De todos los trabajos he aprendido, pero de éste mucho: poder haberlo hecho con Alberto Rodríguez y de la mano de Javier, con todo lo que hizo por mí… Es uno de esos trabajos que guardas con más cariño y de los que más aprendí a nivel profesional y humano.

"La isla mínima ha sido uno de los trabajos más enriquecedores de toda mi carrera"

La isla mínima transcurre en la época de la Transición, en las marismas del Guadalquivir. Tu personaje, Raúl, representa la apertura frente al de Javier Gutiérrez, que está más anclado en el pasado, en el franquismo. ¿Cómo afrontaste la preparación de tu personaje?

La película la ensayamos mucho tiempo, un mes, que no es común en cine, y asesorados y dirigidos por Alberto, viendo documentales, leyendo mucho sobre el momento y sobre personajes similares. Fue un mes intenso de preparación y de investigación sobre la época y los personajes.

Además en un contexto muy particular: las marismas, que es casi un personaje más, un contexto que marca lo que le ocurre a los personajes, la desaparición…

El rodaje se hizo duro pero luego quedó todo muy bonito.

Si por algo destaca Raúl Arévalo es por su versatilidad y por tener una prolífica carrera en el teatro, el cine y la televisión. En 2006 te llegó uno tus grandes papeles hasta ese momento, en la exitosa ópera prima de Daniel Sánchez Arévalo Azul Oscuro Casi Negro. Obtuviste el Goya a la mejor interpretación masculina de reparto por Gordos (2009). ¿Hay un medio que le tengas especial cariño? ¿Te desenvuelves en todos del mismo modo?

Depende del proyecto. Un actor donde más puede disfrutar es en el teatro pero no depende tanto del medio o del género sino de muchos factores: el guion, los compañeros, el director, el personaje, depende más del contexto.

Otra película que quizás no ha tenido tanta repercusión en 2014 pero en la que también participaste ha sido La vida inesperada, donde desprendiste química con Javier Cámara. ¿Qué puedes contarnos de ese proyecto, cómo te sentiste al rodarla en Nueva York?

Lo rodamos en Nueva York, que fue lo más chulo. Estuvimos dos meses rodando allí. Para un actor que se ha criado viendo películas que se ambientan en Nueva York, pasear en esta ciudad con una cámara delante… aquello fue muy bonito, fueron dos meses muy divertidos.